8.陌生化表演技巧

陌生化表演技巧，又叫“间情法”“间离效果”，最早由戏剧大师布莱希特提出，它的主要内容之一是，演员在戏剧表演过程中应经常意识到自己是在为观众演戏，不能化身为角色，而是要和角色保持一定距离，这样，观众就不能同舞台上出现的人物和事件产生共鸣，不能陷入强烈的剧情反应之中，其结果是使观众保持清醒的头脑，能够冷静地从剧中吸取思想，对戏剧艺术表现的现实内容本身进行严肃地思考。陌生化表演技巧被引入影视艺术中是在“第二次世界大战”后，它曾对当时流行的政治电影、艺术电影和实验电影等类型电影的演员表演产生过深刻的影响。尽管有评论家认为，“间离效果”的出现是戏剧艺术舞台上的一次真正革命，但仍然有相当一部分评论家认为布莱希特的“陌生化表演技巧”，违背了戏剧艺术的基本理论和基本规律，因而在实践中不可行，并指出，布莱希特虽然提出了“陌生化”理论，但在实践中他自己都没怎么试用过。

在影视艺术表演活动中，一名职业演员要演出的主人公角色是非常丰富的，高水平的职业演员，虽然自身的外形特征、声音特征等很少发生变化，但是他们所演出的角色各个不同，一个比一个出色。然而，还有一些演员，虽然，他们一辈子演了很多戏，但是，如果脱去不同角色的不同装束，人们就会惊奇地发现，他们所演的角色怎么看都像是一个角色，当然，这个角色很可能就是他自己。影视艺术中，将一个演员在不同剧情中的相同表演称之为程式化、类型化表演倾向，这种倾向的最大缺点就是容易导致观众的逆反心理，使观众产生审美鉴赏厌烦和疲倦心理。分析这两种演员长期艺术表演中所得到的不同审美结果，就会发现，第一种演员之所以经常保持成功，是因为他（她）善于突破自己的思维、心理定势，总能使自己的角色表演保持某种陌生的新鲜感，以激活观众的鉴赏情绪。相反，第二种演员，由于其表演缺少变化，多少年一个样，缺少第一种演员所具有的那种陌生感魅力，结果，导致看他（她）演出的人越来越少。从此不难看出，影视艺术表演中的“陌生化表演技巧”，不仅对演员绝对需要，而且绝对必要。

尤特凯维奇指出：“对于演员来说，他整个地生活在其中的那个有机体应该是他的家，而不是他的旅馆。演员的生命力和演员创作的实质在于创作过程本身，而不仅仅在于演出或影片，在于长期地和不断地形成和变化，而且这种形成和变化也决不是仅仅产生在舞台上，或是在演出、排演和拍摄的过程中。”[34]从尤特凯维奇所谈的内容来看，他是在说：一个演员的“创作生命力”和“创作实质”在生活中的不断创新，在生活中不断汲取一些新鲜营养，在于他（她）对生活充满深情和爱意。只有那些对生活充满期望的演员，才能勇敢面对生活的变化，才能发现“陌生化表演技巧”的奥妙。

可是，一个优秀的演员怎样才能发现“陌生化表演技巧”的奥妙呢？E·萨巴什尼柯娃认为，关键在于演员必须注意在生活变化中，培养自己对事物的敏锐反应力、感受力和判断力。她指出：“演员的艺术对生活中所发生的变化应非常敏锐，外型改变，语言、声调也就改变，面部表情、造型就会变成另一个样子”。[35]她借用A·阿纳斯塔西耶夫的话，批评了影视艺术舞台上，那些雷打不动、不深入生活、不认真观察生活和体验生活的演员，这些演员企图仅仅通过外部的变形，“刺目的化妆，脸上贴东西”来改头换面，以取得“陌生化表演技巧”。岂不知，他们这样做只会适得其反，卓别林所扮演的流浪汉形象永远是头戴礼帽，手持拐杖，脸上留着小胡子，可是他不论什么时候出现，都会受到观众的欢迎。从此不难看出，“陌生化表演”不仅仅应停留在“面目陌生化”上，诸如启用陌生演员等，而更为重要的是演员在每一部影视艺术作品演出时，都应当保持一个“陌生化心态”，敢于与过去的生活和过去所扮演的角色告别，要勇于超越过去，尤其是要善于将自己在生活中不断发现、总结、体验到的新鲜社会角色心理，对象进自己的表演之中，只有如此，他们才能全面体验到“陌生化表演”的艺术快乐。

“陌生化表演”带给演员的收获是多方面的，它不仅使演员在不同角色中，体验到了影视艺术形象的“陌生化个性”，使他们体察到了“陌生化表演技巧”的美学个性，而且，还使他们体会到了一个真正的艺术家才能体会到的“陌生化创作个性”。人们生活在一个影视艺术高度发达的社会里，几乎所有的观众都热忱地期望演员能不断带给他“陌生化表演”，而广大演员们也因为大众传播媒介的丰富和发展，越来越频繁地在舞台上亮相。这样，社会一方面为演员提出必须掌握“陌生化表演技巧”的审美压力要求；另一方面，演员自己也面临着前所未有的表现自己“陌生化表演技巧”的绝好机会。演员们越来越觉得做一个好演员太难了，做一个混日子的演员太容易了，于是，在一种“好演员”与“好当演员”的尴尬境地中，“陌生化表演技巧”越发显示出其珍贵价值，越发成为区分演员水平高低的分水岭了。

影视艺术的陌生化表演技巧是演员智慧的集中表现。影视艺术表演技巧在考验着演员智慧的时候，观众也承受着鉴赏影视艺术表演技巧的智慧挑战。在这种情况下，对影视艺术表演技巧的掌握与鉴赏，就成了“演员”和“观众”这两大人类文化艺术社会群体都必修的课程。他们会随着自己艺术经验地增长，逐渐体悟到，对于影视艺术来说，永远不会有过时的表演技巧，只要人们需要，传统的表演技巧不会随着历史的前进而终结其生命，而新的影视艺术表演技巧也会在传统技巧上不断发展。

二、影视艺术的拍摄技巧鉴赏

影视艺术创作离不开摄影，摄影师是影视艺术作品的“第一个观众”“也是未来观众的总代表”。[36]因此，他们在影视艺术创作过程中，地位非常特殊，欧纳斯特·林格伦认为：“在制片工作的助理技师中间，摄影师是最重要的一个。编剧、美工师、服装师、演员和导演等的创造工作都是为了达成一个目的，得到一个能放映在银幕上的透明的摄影形象。要没有摄影师，他们的劳动成果无从体现”。[37]摄影师的唯一任务就是借助自己高超的影视艺术拍摄技巧，将上述那些人的辛劳成果成功地、再创造性地记录下来。

影视艺术拍摄技巧是摄影师创造性地运用摄影机，进行影视艺术造型，表达特定影视艺术构思和风格的一种技能和方法。它的本质是摄影师在充分认识、熟悉、掌握了摄影器材特性的同时，能够利用自己较强的镜头构图感、镜头色彩感、镜头节奏感、镜头叙事感等挖掘镜头表现手段的艺术技巧潜力，以最大限度地塑造出优秀的影视艺术形象。

影视艺术拍摄技巧非常重要，无论是对摄影师本人，还是对其他影视艺术创作者，他的水平高低都非同小可。因为，高水平的影视艺术拍摄技巧总能使其他影视艺术创作者的劳动锦上添花，即使是观众，一般在影视艺术鉴赏活动过程中，也能关照、领悟到摄影师的某些拍摄意图，并从一些细微的拍摄技巧中，领略到影视艺术创作的无穷奥妙和魅力。

根据影视艺术拍摄工作的基本流程，影视艺术技巧应包括以下几个方面。

1.制定拍摄方案的技巧

对于摄影师来说，参与影视艺术创作，无疑是从研读影视艺术剧本开始的。影视艺术剧本为摄影师提供了可供拍摄的主题思想、情节结构和风格样式等。但是，由于剧本提供的这些内容比较抽象，而且艺术要素比较琐碎、不明晰，因而摄影师要将其中的文学形象，转换和“翻译”成可供观众鉴赏的银屏形象，是非常困难的，而且有许多具体工作要做。

一般来说，摄影师要做的首要工作，就是在吃透剧本后，写出能够全面反映未来拍摄设想和方案的摄影阐述。在这个阐述中，摄影师既要表明本次拍摄过程的大致方针、目标总旨，又要反映出他对剧本的摄影理解和认识，同时，还要说明他对本剧摄影造型风格的全面把握和拍摄方法。尤其重要的是，在这个阐述中，他将描述出未来影视艺术作品的画面基调、构图方法、色彩构成和画面节奏等。一言以蔽之，就是在这个摄影阐述中，摄影师将全面勾勒出本部影视艺术作品摄影风格上的美学特征，描绘出他的审美追求。摄影阐述的写作方式有许多种，对于摄影师来说，既可以用文学表达出他的有关拍摄打算，也可在文学表述的同时，辅之以拍摄草图进行说明，也可以用草图直接说明，辅之以简约的说明性文字。但是，不管怎么说，摄影师拍摄前一定要形成一套完整的拍摄方案，不管采用何种方式进行阐述。

准备好了摄影阐述，摄影师就要将其给导演等人看，经过反复讨论、修改后，在导演同意的前提下，摄影师就可以将这个纲领性文件付诸实施。实施的第一步是着手制定一部远比摄影阐述内容更全面、具体、深入的拍摄提纲。在这个拍摄提纲中，摄影师将着重考虑两个问题：一是根据剧情，详尽列出进入现场的镜头拍摄要点，力争做到逐一列出，毫无疏露，以便导演在确定拍摄场地时，做到胸中有数；二是对于一些事先无法确定的镜头计划，如一些群众场面、集市场面等，摄影师必须与导演协商，制定出一套切实可行的现场实施方案，最好是制定几套方案，以便到了具体拍摄现场，根据情况灵活处理，择其善者而从之。拍摄提纲是一种比摄影阐述详细的拍摄方案，但是，由于它仍然比较简略，无法指导摄影师在拍摄过程中具体操作，因而，在此基础上，摄影师仍需深化，编写一个完全可供实践使用的更加详尽的分镜头拍摄方案。这个比影视艺术分镜头剧本还要详细，摄影师用起来更加实用和方便的方案，一般被叫做影视艺术创作的摄影台本。

摄影台本是摄影师在与导演、美工、布景、灯光、音响等有关影视艺术创作人员讨论、商量、协调后编写的一种非常具有可操作性的方案。在这个方案中，人们能明晰地看到影视艺术的拍摄场地、场景画面以及拍摄的时间、地点、基位、角度、景别、速度、光度、长度等内容，也能看到分场设计、服装道具、美工灯光、布景照明、动效声效等场面调度组织的有关情况，也能看到摄影师对画面色调、光学镜头及其附件的配备和应用、具体的拍摄方法、拍摄组织以及技术保障措施等方面的规定和要求，还能看到演员在每一场戏中的表情动作、行动路线、人物关系等表演安排的细节情况。总之，为了避免拍摄过程中不必要的混乱和盲目，减少误工误时的机率，摄影师应将一切应提前考虑到的问题都考虑到。甚至为了避免出现意外，摄影师和有关人员应多次深入拍摄现场，进行实地勘察，最大限度地做到万无一失，为拍摄活动的顺利展开，打下良好的基础。

2.运用画面造型的技巧

有了完整的拍摄方案，摄影师就拿到了进入实地拍摄阶段的通行证。对于摄影师来说，实地拍摄阶段是考验其画面造型技巧的关键时期。在此阶段，能否利用一切画面元素，完美塑造人物形象，恰当交代环境语言，就成了衡量其画面造型水平高低的重要依据。也许有人会说，那摄影台本，所有的东西不是都交代清楚了吗？摄影师照此拍摄不就行了吗？然而，摄影台本是一回事，拍摄现场是另一回事。虽然在影视艺术拍摄过程中，摄影台本已将如何运用画面进行造型，造型的结果应是什么样都做了详尽交代，但是，由于环境的因素和一些不可预测的其他条件的变化，在许多情况下，摄影师仍然有必要根据自己多年拍摄的艺术经验和敏锐的艺术直觉，对摄影台本中那些不尽人意的画面造型手段予以适时调整或现场改变，以找到一种更能令人满意的、更能表现出造型对象美感特质的画面造型途径。

在众多的影视艺术画面造型方法中，运用画面构图，突出和凸现影视艺术人物形象，是一种最传统的手法。巧妙利用现场环境中点、线、面和人物的位置关系，以增强银幕和荧屏这两个二维空间中的时间意义和空间思想，是摄影师们所追求的共同摄影目标。然而，怎样才能达到这个目标呢？许多人认为，在每一幅画面中，构图的方式最为重要，其实这种说法大谬不然。对于一个优秀的摄影师来讲，根据现场情况，决定采用横线构图、斜线构图、对角线构图、梯型构图、多点构图等多种构图形式的哪一种，是一件非常简单的事情。摄影师根据多年形成的画面造型直觉一眼就可以分辨出来，不过，对他们来说，要在运动中保持这种构图的完美性并不是那么容易的。

众所周知，影视艺术是一种时空艺术，时空艺术的一个重要特征在于镜头的运动，在运动中塑造人物形象，在运动中，不因人物形象的存在而破坏画面的构图美感，或不因环境背景的变化而破坏人物形象在画面中的构图美，这一切，都是摄影师在拍摄时必须考虑的问题，也是摄影师比照相师和画家在构图方面更困难的一个原因。照相师和画家的构图造型是静止的，可以一次把握到位，而摄影师的画面造型却不同，由于其构图造型是在运动过程中完成的，因而没有很高的艺术悟性、深厚的艺术积淀和熟练的镜头运用技巧，要实现完满的画面构图造型是非常不容易的，这就是为什么影视艺术中，有的运动镜头起幅画面构图很好，有的运动拍摄过程中画面的构图很好，有的落幅画面构图很好，鲜有从起幅到运动中，再到落幅画面构图造型都很完美的原因。由此可见，影视艺术画面构图造型的最大技巧在于怎样把握摄影机，使摄影机镜头永远处于画面构图的最佳视点上，而且在运动镜头中，这种最佳构图视点的变化非常富有韵律感。

影视艺术画面造型的第二个要素，是摄影师必须善于用光造型。“光”是“摄影师手中的雕刻刀”“摄影师是靠光这把雕刻刀在胶片上雕塑人物形象和他们所处的环境的”，光是“为了刻画人物性格服务”的，“不同场景的情绪、气氛，要求不同的光”“要想表现好一场戏的艺术气氛，我们讲，景是骨架，是实体，光是灵魂。光处理好了，景就有了生命，有了魅力”。[38]相反，如果光处理砸了，再好的画面构图也没用，甚至二者的对比，会使画面的造型美感更差。按光源分，光可分为自然光和人工光。自然光虽然散漫，但比较真实、生动；人工光虽然有点假，但却显得美妙和浪漫。光按光线性质分，可分为软光和硬光，软光虽然微弱，但却显得温柔和恬淡；而硬光虽然过于强烈，但却显得有些热忱和真挚。光还可按光位分，顺光虽然有平涂的效果，但却能突出表现对象的质感；侧顺光虽然单调，但却能使表现对象产生明暗对比变化；侧逆光虽然经常使人物形象面部发黑，但因为其能很好地表现人物形象的轮廓，因而经常能产生微妙的神韵；虽然逆光运用过多，会产生造型失态的后果，但是恰当地使用逆光，有时会使画面造型获得以前从未有过的丰富层次；顶光虽然会使艺术对象发生变形，但对于表现人物形象心灵的扭曲、性格的异化和生命的某种不平常状态，却非常管用；脚光是一种最奇特的光，尽管人们经常会对其来源的真实性产生怀疑，但它对于暗示表现对象的某种情绪和心境，仍有独特的价值。

光也可按造型作用分，主光是一种引人注意的刺目的光，虽然它的运用会影响画面原有的风格和基调，但是它对于特殊的剧情需要，诸如确定被表现对象的形状和概貌，却非常有帮助；副光虽然不是光线的主角，但却对于维系画面的光度平衡起着决定的作用；过渡光是一种意义不大的光线，但是由于它的运用，却强化了物的黑白灰效果，使人对表现对象的立体感产生亲和作用；轮廓光是一种容易被忽略的光，但是它的运用，却常使人陷入一种如痴如醉的梦幻心理状态；背景光是发自另一个美感世界的神秘召唤，虽然，在画面造型中，它从来不是真正的主角，但是，如果观众在关怀表现对象的同时，捎带关注一下它，则会产生一种别有洞天的意外狂喜情绪；环境光是一种再平常不过的光了，由于人们熟悉它而经常漠视它的存在，但是，当观众与剧中人情景交融时，谁也无法否认，是环境光使他（她）不由自主地步入剧中人的生活世界。在所有光中，效果光和眼神光是最为奇特的光了，效果光使人身临其境，审美情绪受到强烈的冲击和震撼；而眼神光，却在无意之中，为人们打开了一扇探寻主人公内心世界的心灵窗户……光是一种实实在在的、摸不着却看得见的造型雕刻刀，正是借助它，摄影师为人们创造了一个妙趣横生的画面影像世界。

在画面造型技巧中，人们也不能忽略色彩的作用。作为控制画面造型的“情绪元素”，色彩经常使观众收到一种无以名状的心理感召。它是剧中人物命运沉浮的巨大心理暗示，是观众心理变化的晴雨表。色彩的造型作用，部分原因是来源于生活的真实，当生活为人们提供了一个色彩斑斓的美好世界时，借助摄影机去表现这个美好世界的丰富物体造型，就成为自然而然的事了。黑白片时代，对于色彩的造型作用，主要是靠高光、侧光和背光所形成的黑白灰明暗对比效果实现的，在那样的画面中，造型的方式与其说是电影的，毋宁说是素描的。人们通过对物体形状微妙的光线变化刻画，实现了对影视艺术形象造型色彩语义的表达。但是，在彩色片时代，色彩的造型作用就有所不同了，由于画面将事物的原本色泽变化呈现在观众面前，因而，观众很容易陷入与主人公相似的色彩感受情绪变化反应审美状态中。

由此，各种色彩都有了其独特的镜头语义。在绿色的画面中，生命力的张扬使主人公和观众心旌摇曳；蓝色的画面，象征了生命的复杂和深沉；紫色的画面，表现了主人公心理状态的浮躁、执着和忧郁；而橙色，也因为其奇妙的色泽变化，使人感受到了生命的单调和不可抗拒；至于红色，它是人类野性的标志，而对它，人们经常能升腾起英雄主义般的崇高和伟大，在心灵中酿造出对未来生活的美好遐想。然而，黑色就有所不同了，彩色片中，黑色是死亡的暗示，是一种不祥的颜色；而白色应为淡出淡入，通常意味着生命的瞬间中断和人生价值的某些缺失……于是，影视艺术画面中，人们感觉到的不仅仅是画面情节的叙事本身，而且还有各种色彩造型符号组成的交响诗，它不断深化着人们对剧情的反应，不断深化着人们对主人公的理解，它从此成为影视艺术画面造型的重要组成部分，促使人们对影视艺术对象的认识更加深刻具体。

3.善于活动拍摄的技巧

影视艺术中，画面是活动的，造型是活动的，活动促成了影视艺术情节的展开，活动也促成了观众对影视艺术鉴赏的深入，但是，观众也应当明白，影视艺术活动的内容远不止这些，其中最不应忘记的是，这一切活动都离不开摄影师的活动，如果没有摄影师的活动拍摄，这一切活动根本无法实现，正如鲁道夫·爱因汉姆所说：“活动的功能不仅在于把故事中的各项事件告诉观众。活动本身也是很有表现力的”，[39]正是在摄影师很有表现力的活动拍摄中，观众看到了被表现对象的运动，看到了由摄影机和物体之间的距离所造成的纵深变化效果，看到了影视艺术人物形象行为所表达的活动思想。影视艺术创作的过程。实际上就是要着力突出摄影师活动拍摄技巧表现力的过程。如果影视艺术世界中的一切表现对象都能通过摄影师的活动拍摄表现出来，那么，对于观众来说，至少有两种好处：一方面，被表现的对象将“直接诉诸于观众的眼睛”；另一方面，活动中的对象“将在外形上显得”更加“优美动人”。

在影视艺术创作过程中，出众超凡的摄影师都是因为其有独特的活动拍摄表现力，才创造了影视艺术画面造型活动的辉煌。一般来说，独特的活动拍摄表现力体现在这几方面：一是摄影师活动拍摄的目的明确，知道谁是表现的主要对象，谁是次要对象，谁仅仅只是背景；二是摄影师活动拍摄的方式明确，知道该采用推、拉、摇、移、跟、甩、晃动、旋转、偷、抢等哪一种镜头拍摄方法；三是摄影师活动拍摄的节奏明确，知道如何把握镜头拍摄的起幅、落幅以及镜头在活动拍摄过程中的叙事节奏或韵律；四是摄影师活动拍摄过程中的分工明确，在大多数情况下，摄影师由主摄影、副摄影、摄影助理以及其他技术工程人员组成，尤其是在运用轨道车、升降机、直升飞机、火车、汽车等运载工具进行运动拍摄时，就存在一个各方面人员互相配合、互相协调的问题，只有每个人对自己的任务和操作规程熟记于心，才能随着导演一声令下，默契行动，完成活动拍摄的任务。上述四点是摄影师活动拍摄独特表现力表现的基本保证。

活动拍摄富于表现力的技巧既是一个技术技巧问题，也是一个艺术技巧问题，为什么这样讲，乃是因为在具体拍摄过程中，摄影师一方面要熟悉各种摄影器材的性能和操作方法，学会借物、稳姿、屏气等活动拍摄的基本技巧；另一方面他们还要有相当丰富的文学、美术、摄影和美学方面的知识，懂得如何驾驭摄影机，使画面的构图、光度、色彩等都处于最佳状态。由此可见，活动拍摄技巧的确是一个复杂的学问。

然而，影视艺术活动拍摄技巧远不止以上所述的那些内容。现实生活中，特别是一些纪实片的拍摄过程中，活动拍摄技巧并非仅仅是一个纯粹的拍摄技术问题或者拍摄艺术问题，而且还是一个拍摄战术问题。例如，在以突出表现对象为目的的跟拍活动中，无论现场气氛多么紧张，摄影师始终都要掌握表现的中心，保证镜头既不摇晃，也不失去任何一次表现对象的机会。而要做到这点，他就必须善于审时度势，预测事物的发展趋势，充分调整自己的心理判断直觉，而这个心理判断直觉，是他在长期的社会实践活动中，逐渐形成的。再如在一些没有事先安排的随机活动拍摄过程中，摄影师必须具备善于抓拍突出事件的本领，而对复杂多变的社会环境，他应明确意识到，拍摄到随时会出现的意想不到的戏剧性镜头，只有他在脑海中长期保持这种抓拍意识，才会未雨绸缪，拍到影视艺术作品中的活动闪光点。

活动拍摄技巧是一种在长期的影视艺术实践活动中逐渐积累形成的专业性技巧。表面上看，这种技巧在功内，在于摄影师熟练、灵活掌握和运用摄影机的程度。但其实，这种技巧也在功外，看摄影师的社会人文学科知识修养积淀得是否深厚，只有在两种功兼而有之并发生相互作用时，摄影师才能变成一名影视艺术活动拍摄的高手。

4.使用光学镜头的技巧

影视艺术鉴赏过程中，普通观众常常会为画面中不断出现的远、中、近、特、全景别画面所吸引，并会被变幻莫测的奇特影视艺术煽情效果所感动。殊不知，他们所看到的这一切并不是自然形成的，而是摄影师使用不同光学镜头进行表现的结果。影视艺术拍摄活动中，摄影师最常用的光学镜头是标准镜头，在这种焦距接近或等于画幅对角线的光学镜头中，摄影师和表现对象经常处在目光和言语交流最恰当的距离内，摄影师只要将表现对象完美地框进镜头内，即可取得令人满意的画面效果。在影视艺术作品中远景、中景或其他一些固定镜头画面就是采用这种光学镜头拍摄的。

然而，在影视艺术鉴赏活动中，人们经常还会发现一些变焦镜头画面，一会儿画面由大变小，一会儿画面由小变大，一会儿前景实后景虚，转眼间又变成了后景实前景虚。那么这种画面效果又是如何拍摄的呢？其实，这种镜头是摄影师采用变焦镜头拍摄的。所谓变焦镜头，就是一种焦距可以改变的光学镜头，采用这种镜头进行拍摄时，摄影机经常固定在一个基位上，摄影师通过手动操作焦距，沿时间轴向，渐次改变焦距和景别，从而创造出令人激动的奇特审美效果。变焦镜头对于营造影视艺术的故事气氛是非常重要的。一般来说，当画面由大变小时，它表现主人公的视觉有从全景指向局部的变化过程，表达了主人公从某种倏然得到的细致入微的发现中，所产生的惊奇、惊喜或惊觉心理；而当画面由小变大时，则表明主人公的视线由局部走向全局，或者其注意的视线开始转移，它反映了主人公心情由压抑、束缚走向明朗和开放的心路历程。可是，前景实后景虚和后景实前景虚的变焦镜头与上述两种情况不同，它不像前两者单向度地表现主人公的心境，而是通过两个或两个以上主人公位置、表情关系的变化，反映他们之间紧张、冲突或和谐的不寻常气氛，从而对影视艺术情节的未来走向作出必要的心理暗示。但是，在影视艺术鉴赏过程中，人们还能看到比以上三种情况更复杂的画面，由于镜头的不断快速变焦，结果画面中形成了一种时大时小、时远时近、时实时虚的神秘效果。一般来说，观众和创作者均认为，这种变焦镜头的使用，对于表现主人公剧烈、复杂、过于激动和烦燥不安的心情很有帮助。可见，变焦镜头的运用，对于准确、细腻、丰富地表现影视艺术主题非常管用，但是，由此带来的副面效能就是它的滥用却会导致花里胡哨、卖弄技巧的审美嫌疑。因此，摄影师在用此手法造型时，应慎用、少用，正由于此，我国影视艺术学者吉岩认为，变焦镜头的使用，应“从人的欣赏心理需求出发”“从满足视觉感受出发”“从保持时空统一性出发”“运用变焦镜距不可不变，又不可乱变，关键在于度意审情。求其动律的准确，求其格致的适当，从把握焦距变化的出发点入手，达到精当的运用”。[40]

在影视艺术拍摄过程中，摄影师通常也离不开广角镜头和长焦距镜头。广角镜头是一种焦距短于画幅对角线的光学镜头，这种镜头的特点是焦距广度大，可以表现更加恢宏和壮观的画面场景，但是由于视距的原因，它极易造成表现对象的变形，具有“夸张的动态表现”特征，因而，经常被运用于喜剧片、幽默片或滑稽片当中，正如吉岩所说，它可以“根据特定的创作意图，利用超广角艺术夸张和渲染的作用，能够创造出别具一格的画面，收到过目不忘的效果”。不过，一般的影视艺术创作活动中，摄影师并不经常使用广角镜头，由于它经常破坏和影响画面的真实、准确和纪录的艺术特性，因而，不到万不得已，摄影师不会想到用它。长焦距镜头是一种焦距长于画幅对角线的光学镜头，它的特点是景深大，具有清晰可靠的影像表现空间范围。摄影师使用它，可以很容易地将很远地方的表现对象调到跟前予以表现。当然，这种“调”并非真地将表现对象叫到摄影机跟前，而是说加上它，摄像机具备了将远景之物拍得像近景之物那样清晰的奇特功能。长焦距镜头的使用，既满足了广大观众想看到更加完整的影视艺术画面的愿望，又满足了他们看清更加宽广影视艺术画面的审美心理需求，因而对于使用它，摄影师情有独钟。

影视艺术拍摄过程中，为了获得一些独特的画面效果，摄影师还经常采用给光学镜头加上一些镜头附件的办法进行拍摄，如给镜头上加滤色片，可以组成调节影调用的各种滤光镜，在白天拍出晚上的效果，在晴天拍出阴天的效果；也可组成产生雾状效果的雾化镜，将清晰的物体拍摄得模模糊糊，取得一种扑朔迷离的艺术效果；也可以组成将影调变得柔和的柔光镜，使表现对象看起来不那么刺目和耀眼；也可以组成依光波振动方向进行调节的偏振器，如将局部影像柔化的局部柔光镜，使局部彩色发生变化的局部彩色镜，能够拍摄出部分特写和部分全景的远近镜，能够在没彩虹的日子拍出彩虹的彩虹镜，能够拍出多重影像的叠影镜和多影镜以及能够拍摄重光效果的重光镜等。可以说，正是由于摄影师在拍摄过程中，随机选择各种适合表现对象的光学镜头及其附件，才给观众创造出了色彩斑斓、千姿百态的影视艺术世界。

影视艺术拍摄技巧所包含的内容很多，除了上四点外，还有摄影师拍摄操作的方法技巧，如是采用立式拍摄、蹲式拍摄、坐式拍摄、卧式拍摄，还是采用固定摄影、扛式摄影、手持摄影、手提摄影、抱式摄影、依托摄影，或者是采用航空拍摄、水下拍摄等。总而言之，影视艺术拍摄技巧非常丰富。